Comics que nadie lee/Para un publico que no existe

Friday, February 19, 2010

EL ATAQUE DE LOS COLABORADORES DEL ESPACIO EXTERIOR

Gianco said...
La verdad que los mejores comics integrados que se me pueden ocurrir son:

- Krazy Kat
- Mafalda
- Gasoline Alley
- Plastic Man de Jack Cole
- Usagi Yojimbo de Sakai
- Buddha de Tezuka

Y sí... estoy consciente que todos son trabajos de un solo autor. Si tuviera que escoger uno proveniente de la mente de un artista y un escritor como dos entes separados, tendría que ser Groo de Aragones y Evanier. Ese o los primeros números de los 4 Fantásticos de Lee y Kirby.

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Cairo said...
Es mejor si se trata de trabajos de un solo autor. En realidad, sólo de eso se trata. El simple hecho de que un comic sea hecho por dos ( o más, huácala ) dificulta la integración, es decir, hace evidente la partición. El "comic perfecto" vería integradas sus partes principales desde la mente del autor. Solo para jugar con uno de tus ejemplos, imagínate las capacidades de Lee y Kirby integradas en un mismo creador. Soy más radical : excluiría progresivamente los ejemplos de comics hechos por más de una persona--los tomaría en cuenta sólo como muy especiales y relativas excepciones, a las que no deberíamos acostumbrarnos. La otra cosa es, por qué los ejemplos que forman tu lista y no otros ? En qué se destacan con respecto a cualquier otro que no listes ? O también, crees que Quino avanza la causa de lo gráfico APROXIMADA, VAGAMENTE como Herriman ( en coma ) ? Sé que son dos cosas diferentes, la calidad inherente de algo y su calidad comparada pero, qué te puedo decir ? Mafalda me choca.

Ahí vamos

47 comments:

Jesús Cossio said...

Hola.

Por favor, podrian definir mas concretamente lo de "integrado"?
Creo que entiendo el punto, pero a ver si me iluminan un poquito más.

Tal como yo lo he entendido, es la perfecta fusión del lenguaje escrito y la composición visual ¿y narrativa?. Si es así, entonces, tengo unos pocos candidatos:

KRAZY KAT, de Herriman
UNDERWATER, de Chester Brown CALVIN AND HOBBES, de Watterson
DREAM OF A RAREBIT FIEND, de McCay

Lo que no me queda claro es si ser "integrado" es ser "coherente" (por ejemplo, algunos primeros comics de Kirby son coherentes en el sentido que sus personajes son y hablan como seres planos; esto es coherente con una narrativa dinamica y espectacular; pero no integra el buen dibujo con los dialogos pobres).

saludos,

pd: no sé... FRANK (de Woodring) entraría en la lista?

Henry said...

He estado ocupado con chamba e.e pero es bueno poder seguir leyendo su blog para seguir aclarando dudas sobre algún otro temilla, he contestado en esta entrada para no llenar tanto las primeras xD con hilos que no vendrían al caso, volviendo a lo de arte, una duda con respecto al arte comercial, si en él se busca la inmersión del receptor a toda costa, empleando todos los medios que la industria ha conseguido descubrir: melodías sentimentales, dialogos solemnes, amores muy puros, historias con mensajes sociales, que busquen impactar nuestros sentidos, etc hay obras comerciales que consiguen emocionar al receptor de tal forma que le puede parecer arte porque transmiten sentimientos... pero también hay gente que considera que el arte comercial es simplemente estético y superficial... Como esas películas navideñas que son full comedia y risas, o esos comics de superheroes dibujados con ese estilo pulcro que ya cansa de tanto verlo e.e.

A mi se me hace difícil todavía colocar un V de vendetta en la misma categoria comercial que un comic de superman <.<.

O sea lo comercial es superficialidad y entretenimiento, pero también es expresión sentimental y mensajes sociales?

Como es que un artista transmite sus sentimientos con su obra o algún mensaje a la sociedad? o el hecho de transmitirlos hace dejar de ser arte a su obra pasado a ser otra cosa? Hay arte que no transmite como el abstracto o eso tengo entendido jeje.

Un saludo

Henry said...

mmm le parece redundante mi dilema? o ya lo dijo antes en la discusión? D:

Es que algunas cosas no entendí bien -.-

Saludos :)

Cairo said...

Hola Henry :
Disculpa que no haya respondido antes. Ando desconectado de todo, Facebook, blogs, etc., pero en parte también por lo que dices--muchas de las cosas que planteas ya las hemos discutido antes o han sido parte de algún post. Generalmente no me molesta volver sobre el tema si alguien tiene interés en el asunto, y este, el de comercio vs. arte, también a mí me interesa mucho. Veamos :
No toda producción comercial ( prefiero cuidarme de decir "arte comercial" ) es "estética y superficial." Entiendo lo que quieres decir cuando usas la palabra "estética", pero me gustaría aclarar que no tiene relación obligatoria de parentezco con "superficial." Toda creación artística es estética ( incluso la creación no artística, como el diseño de máquinas o de uniformes militares ), es decir, aplica alguna noción o idea sobre lo que el artista considera bello ( concepto también problemático de definir ). Talvez podríamos hablar de "estéticas superficiales" ( no sé, se me ocurre pensar en esos cuadros del corazón de Jesús, todos igualitos y hechos en serie, y que las tías beatas deben considerar bellos ). Entonces, para ser más precisos, te diría que no toda producción comercial es necesariamente superficial, aunque sí limitada por su mismo caracter comercial. Lo comercial, por definición, es una imposición de condiciones exteriores al autor ( en último caso, debe demostrar que la pieza es vendible, de otra manera no tiene razón de existir, en términos comerciales ). Ya planteé antes mi posición, u opinión, sobre el hecho artístico, en principio, como acto de libertad creativa no limitada por imposiciones ajenas al autor. Por supuesto ( y eso también lo hemos discutido muchas veces en el blog ), la historia del arte tal como la conocemos y aceptamos tradicionalmente, está llena de ejemplos de creadores que han trabajado por encargo del poder económico, político o religioso. Si ahondamos más en esa misma historia del arte, si revisamos las biografías de artistas que han laborado en esas condiciones, vemos que esa relación entre creación libre e imposición exterior ( y que en nuestro mundo contemporáneo solemos entender como "arte vs. comercio" ) ha sido una relación de tensiones y conflictos. Históricamente, el artista ha estado conciente de ese desfase entre lo que sabe que sabe hacer, entre su visión personal, y las obligaciones impuestas por quienes encargan la obra. No es raro encontrar, incluso en modelos tan reglamentados como el arte funerario del antiguo Egipto, ejemplos ( discretos y casi clandestinos a veces ) de desobediencia anónima a los cánones impuestos desde el poder, gestos que pasaban desapercibidos para los representantes de ese poder pero que nos hablan, a través del tiempo, de la necesidad primaria que tiene el artista de individualizarse.

Cairo said...

Lo que me preocupa es que para muchos es fácil y conveniente encontrar en esas tensas y problemáticas relaciones históricas entre artista y poder ( algo como la relación entre Miguel Angel y la iglesia, o entre Vermeer y la burguesía neerlandesa ) una justificación para el modelo de producción en el mundo comercial contemporáneo, donde el "autor" racionaliza esas tensiones, se distancia de ellas y hace suyos los intereses y necesidades del poder.

"O sea lo comercial es superficialidad y entretenimiento, pero también es expresión sentimental y mensajes sociales ?" Sí, pero sólo hasta donde el dueño del dinero considere seguro llegar. "Seguro" en el sentido de "libre de riesgos." El artista, figurativo o abstracto, transmite lo que quiera transmitir, aunque el público espere otra cosa ( "sentimientos" que le sean reconocibles, por ejemplo ).

henry said...

Mmm interesante, el arte desde siempre ha respondido a una necesidad individual, pero ¿por que el concepto que tenemos del artista-individualista suena tan moderno? Parece que fuese un concepto reciente de nuestra época, cuando fue que se descubrió realmente?

El público considera artistas a quienes realizan producciones estéticas aun si estas están realizadas por encargo, creo que para ellos es muy difícil notar la diferencia, entre las intensiones del artista y las de quien encarga la obra.

"no toda producción comercial es necesariamente superficial, aunque sí limitada por su mismo caracter comercial"

Una producción artística no tiene limites en su expresividad? No creo que un comic geniunamente independiente/artistico tenga de todo, expliqueme xD.

"No es raro encontrar, incluso en modelos tan reglamentados como el arte funerario del antiguo Egipto, ejemplos ( discretos y casi clandestinos a veces ) de desobediencia anónima a los cánones impuestos desde el poder, gestos que pasaban desapercibidos para los representantes de ese poder pero que nos hablan, a través del tiempo, de la necesidad primaria que tiene el artista de individualizarse."

Me encantaría que mencione ejemplos o que me diga donde encontrarlos si no es mucha molestia jeje.

"Lo que me preocupa es que para muchos es fácil y conveniente encontrar en esas tensas y problemáticas relaciones históricas entre artista y poder ( algo como la relación entre Miguel Angel y la iglesia, o entre Vermeer y la burguesía neerlandesa ) una justificación para el modelo de producción en el mundo comercial contemporáneo, donde el "autor" racionaliza esas tensiones, se distancia de ellas y hace suyos los intereses y necesidades del poder."

El modelo de producción comercial en el pasado no era tan vertical? Como podemos estar seguros de que algun "artista comercial" no ha buscado individualizarse en ese medio? Muchos dibujantes independientes han soñado ser como los grandes de la industria. Incluso hay creadores independientes que usan el termino "independientes" como marketing.

"'sentimientos' que le sean reconocibles"
Es lo que podríamos considerar "hecho por encargo"?

Henry said...

" El artista, figurativo o abstracto, transmite lo que quiera transmitir, aunque el público espere otra cosa ( "sentimientos" que le sean reconocibles, por ejemplo )."

Mmm sentimientos reconocibles? o sea que hay que tener una exquisita sencibilidad y cultura para poder apreciar lo que se aprecia en el arte? Suena a algo más académico que a un vacilón jeje xD.

Bastante parecido a lo que alguien en este blog ya discutió anteriormente... "artistas que se la dan de transgresores, para decirle al mundo 'pienso que son idiotas'" supongo que será porque el público no comprende la forma extravagante en que se expresó?

Me he imaginado de nuevo al cuadro negro en fondo blanco. Waaa es broma o me están vacilando?

Disculpe si lo molesto, igualmente estoy atento al blog, tómese su tiempo.

Saludos.

Henry said...

Aproposito en el terreno independiente también hay cómic de superhéroes?

Cairo said...

Hola Henry :
Podría haber dicho "sentimientos y otras emociones que le sean reconocibles," porque es lo que el público suele pedir, o reclamar cuando cree que no está presente : lo que ya ha visto antes, o lo que cree que el arte debe mostrar. No es nada raro que la reacción de mucha gente, frente a obras de diferentes estilos, sea decir con frecuencia, "no entiendo", cuando no hay nada qué entender ( no como obligación o relación exclusiva con el material que tiene ante sus ojos ). Creo que esa reacción suele estar originada en un exceso de información innecesaria ( "las obras de arte deben significar algo" ), cuando la relación con los objetos artísticos debería ser, para empezar y principalmente, una de disfrute sensorial. Es justamente la "exquisita sensibilidad" la que no hace falta en esa relación, sino una especie de ingenuidad y alegría para conocer cosas nuevas. De todas maneras, entiendo esa otra reacción tradicional, la de sentirse "idiota" ante la presencia de un trabajo que no se "entiende"; quien se siente así está proyectando sus temores ante lo nuevo, inusual o inesperado, culpando al autor de intenciones ( hacer sentir idiota al público ) en las que el artista, créeme, no perdería el tiempo.

Comics de superhéroes en el comic independiente ? No. Pero habría que tener claro qué quiere decir quien usa el término "independiente." Originalmente, el término fue una especie de evolución de "alternativo" y este, a su vez, lo era del sesentero "underground", y en todos ellos la intención era distanciarse del modelo tradicional de creación de comics, un modelo tradicional principalmente ocupado por el género de superhéroes. Pasado el tiempo, cualquiera ( por ejemplo, empresas o individuos que siguen produciendo dentro de ese género popular y rentable ) puede echar mano de la etiqueta "independiente" para ganarse alguito de credibilidad artística o alguna otra cojudez por el estilo.

Cairo said...

Hola Henry, de nuevo :
Aprovecho para responderte algunas cosas que quedaron en el aire:

1. Lo del artista independiente se origina en el Romanticismo, movimiento artístico del siglo XIX que definió en gran medida la sensibilidad moderna. Así que sí, esto del artista que no responde ante nadie más que ante sí mismo, es un fenómeno más bien reciente en la historia del arte. Lo que no quiere decir que, antes de aquella época ( siglo XIX ), el artista haya sido una especie totalmente distinta, ni que el Romanticismo haya propuesto una idea caprichosa e irreal de lo que un artista es. El espíritu del Romanticismo se informa y alimenta de los cambios profundos experimentados por la sociedad occidental de su época, cambios en el pensamiento filosófico, científico, social, etc., cambios que hicieron al hombre del XIX sentirse al mismo tiempo más libre y más vulnerable.

2. El público generalmente considera "artista" a cualquiera, no sólo a los que, como dices tú, "realizan producciones estéticas aun si estas están realizadas por encargo" porque, bueno, así es el público y porque a estas alturas la palabra "artista" se utiliza sin mayor esfuerzo de reflexión.

3. Una producción artística no se plantea límites por principio, si sabe bien que sólo responde a las necesidades expresivas del autor. Las producciones por encargo, igualmente por principio y definición, sí se plantean límites, un "hasta aquí puedo llegar", generalmente por las razones que impone la conveniencia de vender un producto, complacer a un público o de no colisionar con intereses poderosos.

4. Hablando de comics, uno independiente no tiene que "tenerlo todo", contener el mundo en sí mismo, agotar todas las posibilidades creativas del autor. Cada comic independiente representa un momento en la vida creativa de su autor, un área específica de interés personal, no la absoluta totalidad de sus capacidades. Por eso la vida activa de los autores se extiende en el tiempo y en un trabajo contínuo, en muchos comics, no en uno sólo que lo contenga todo.

Cairo said...

Continuamos :

5. Ejemplos sobre lo que mencioné, esos de "desobediencia anónima", no podría darte con ninguna precisión. Suelen ser mencionados en los textos de historia del arte como rarezas significativas, ahí donde y cuando se les encuentre. Su carácter de anónimos infrecuentes hace difícil su registro. Pero aun en su anonimidad e infrecuencia, son evidencias de un propósito libre y personal debajo de las estructuras reglamentadas.

6. El modelo de producción comercial puede ser más o menos "vertical", de acuerdo a épocas y circunstancias particulares, pero sigue siendo comercial, es decir, con propósitos, intereses y lógicas autolimitaciones ajenos a los de un creador independiente. Los "artistas comerciales" son de diferente tipo, y hay de los que buscan dejar una marca muy personal dentro de los parámetros de sus obligaciones industriales. Son los más interesantes en ese campo, muchos de ellos realmente admirables e influyentes, incluso en campos no comerciales. Uno de mis favoritos, y tengo varios ( digo, "artistas comerciales" ), es Jim Flora, un ilustrador y diseñador americano muy conocido por sus portadas de discos de jazz, en los años 50. A diferencia de la mayoría de diseñadores ( un oficio comercial ), que se jactan de trabajar en cualquier estilo que se les pague por imitar, Flora no se doblaba en mil posturas para adecuarse a las necesidades de los clientes. Los que lo contrataban lo hacían porque querían a Flora, porque conocían lo idiosincrático de su trabajo. Había un "modo Flora" de hacer las cosas, un modo que no buscaba la versatilidad sino la especificidad. Dicho todo esto, admirando como admiro a Flora, y aprendiendo tanto de su manera de hacer, se trataba de un trabajador comercial. Ahora, que "muchos dibujantes independientes han soñado ser como los grandes de la industria", es una afirmación respaldada por evidencias ? Y volvemos a lo que dije en el comentario anterior : quién usa el término "independiente" y con qué intención ? No me cabe duda de que debe haber gente refugiándose durante un tiempo bajo esa etiqueta ( o lo que cree que esa etiqueta significa ), esperando su gran oportunidad para pasarse al campo comercial. Los creadores independientes ( en el comic ) los que tienen una obra interesante en términos de originalidad, saben que mantener esa independencia significa llegar a un público más reducido que el público del "comic industrial", es decir, que su actividad no es particularmente rentable o reconocida a nivel masivo. Si sueñan con algo es con mantener esa independencia, no con pasarse al otro lado.

Cairo said...

Digo, los que entienden qué significa ser independiente. No los que coquetean con un concepto en el que no creían, para empezar.

Henry said...

mmm interesante, creo que cuando escribía sobre cómic independiente me refería a creadores que hacen cómics fuera de la industria, no a un movimiento que realizó (o realiza) cómics alejados del modelo industrial.

"Ejemplos sobre lo que mencioné, esos de "desobediencia anónima", no podría darte con ninguna precisión. Suelen ser mencionados en los textos de historia del arte como rarezas significativas"

Buscaré esos libros de historia ya que los de mi cole nunca mencionaron cosas así xD, estuve lurkeando por internet pero nica:(.

Artistas comerciales, perdon debi escribir, artistas/dibujantes de comic comercial. En ese medio ¿existe alguno que haya deseado individualizarse?

¿Si el comic de superhéroes fuese dibujado en otro estilo de dibujo menos industrial? Sería menos comercial?

Cosilla de la discusión pasada:

"una creación artística no lo es en la medida que me "guste" a mí o al resto del mundo. Podría no ser en absoluto "gustable" sin que eso comprometa su categoría artística. Y por la misma razón, gran parte de las cosas que disfrutamos en nuestra vida, no tienen nada que ver con lo artístico."

Podría no ser gustable? El arte no es concebido con propósitos de entretenimiento? Entonces... por que? la gente busca disfrutar de obras de arte si ese no es su propósito.

Henry said...

"hacer sentir idiota al público"

Creo que también ayuda a ese prejuicio el hecho de que el arte este "sobrevalorado" por el público (o que aparente estar sobrevalorado?) como se suele confundir con "excelencia", "perfección", "cosa que me gusta en extremo", "status social".

Creo que también es por el ego elevado que casi todo artista suele tener, con respecto a sus creaciones.

Aunque el tener un ego elevado no siempre puede ser malo. En muchos momentos podría resultar reparador para el artista, ya que éste puede recurrir a su Ego, para paliar contrariedades, rechazo o incomprensión hacia su trabajo por parte de la sociedad circundante. Acciones a la cual el artista podría ser sumamente sensible. Por ejemplo:

Podría refugiarse de manera inconsciente en un: "Estos idiotas incapaces de apreciar la magnitud de lo que les estoy mostrando" O "Estos hablan así guiados por la envidia que sienten por mi trabajo"

Aunque eso a la larga puede dificultar una convivencia social armónica entre artistas. Casi siempre, este Ego saca a relucir aspectos negativos cuando el artista cree que su territorio esta siendo, aunque sea levemente rozado por un espécimen semejante a él.

Casi siempre, y esto ocurre más en los jóvenes, aunque no se descarta entre los veteranos.

En cuanto el artista siente que otro merodea su puesto de trabajo, su espacio social, las adulaciones que él cree que le corresponden, o los aplausos de los que él se creía dueño absoluto. Casi de inmediato se invadirá de celos y emprenderá una competencia muchas veces infundada contra su o sus posibles rivales.

Digo que esta competencia (¡Yo soy mejor que ese!) es infundada, pues entre artistas, cada uno desarrolla su obra con características tan personales que es imposible decir quien es mejor.

Cada uno sabe como hacer su trabajo mezclando sus virtudes y deficiencias de la mejor manera, la verdad que esto lo había leído de un blog sobre arte hace tiempo, y si es cierto... esas competencias no serian algo como pensar en un publico antes que en uno mismo? O son solo mitos infundados por el populacho?

En mi experiencia dibujantes de cómics colegas míos suele sucederles algo idéntico a lo que he relatado.

Otra cosa que decían es que el ego, los elogios y aplausos son como el dinero del artista, la paga que le da el público por su excelente trabajo como alimento para su alma, un "No quiero dinero quiero reconocimiento" o sea ¿buscar la aceptación de un público?

Henry said...

Algún texto o libro de historia del arte para buscar en la biblioteca esas "rarezas significativas"? :(

Henry said...

Un aporte interesante:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_h%C3%A9roe_de_las_mil_caras

Es ese el esquema del comic de superhéroes?

Cairo said...

Hola Henry :
A ver si te entiendo. Dices ( hace tres o cuatro comentarios ) que cuando escribes sobre comic independiente te refieres a creadores que hacen comics fuera de la industria, no a un movimiento que realiza comics alejados del modelo industrial. Hacer comics fuera de la industria o pertenecer a un movimiento que los hace alejado del modelo industrial, no es más o menos lo mismo ?

Como ya te dije antes, información sobre "anónimos desobedientes" en la historia del arte, no tengo a la mano. Recuerdo haber leído sobre el asunto en algunos libros, unas cuantas líneas nada más. Me gustaría saber si algún experto se ha ocupado de esto más en extenso.

Dibujantes comerciales que se hayan independizado totalmente del modelo industrial, sólo conozco el caso de David Mazzuchelli. Ya he comentado sobre él alguna vez.

Si el comic de superhéroes fuera dibujado en un estilo menos industrial, sería menos comercial ? Supongo que sí, verdad ? Está dibujado de la manera en que está dibujado por razones que tienen que ver con las posibilidades comerciales de ese estilo.

Que el arte pueda ser "no gustable" para muchos, no es tan difícil de entender. De hecho, los ejemplos abundan. En distintas épocas las imágenes de desnudos provocaban reacciones negativas en quienes las veían por primera vez. A veces ni siquiera hacía falta la desnudez total : a fines del siglo XIX, el pintor John Singer Sargent hizo un espléndido retrato de una dama de sociedad en un vestido negro sugerente ( "Retrato de Madame X" ) que causó cierta medida de escándalo no sólo por el vestido ( escote y hombros desnudos ), sino además por el contraste de color entre la palidez aristocrática de la señora y el rosa encendido de su oreja. La oreja, alucina. El retrato es de una belleza y sobriedad indiscutibles, pero ahí tienes, a muchas personas les pareció "no gustable." Claro, se puede argumentar que la intención del pintor no fue la de ofender o perturbar deliberadamente a su público ( o quién sabe, talvez sí, un poquito ), pero el hecho es que esa obra, en su momento, desagradó al público. Era un mal cuadro ? No. Calificaba como obra de arte ? Sí. De hecho es uno de los mejores cuadros de Singer Sargent. Quien sí quería agredir visualmente, por razones morales y políticas, fue Goya, con sus "Caprichos" y sus "Desastres de la Guerra." Nadie podría decir que esas colecciones de imágenes macabras y grotescas estuvieran hechas con la intención de ser "gustadas" por alguien.

Cairo said...

Bueno, a mí sí, pero estoy mal de la cabeza.

Cairo said...

La gente busca diferentes cosas en el arte ( además de que "la gente" puede significar distintas cosas para distintas personas ): algunos buscan entretenerse de esa manera simple y benigna con la que nos distraemos mirando por la ventana, algo que no nos exija demasiado esfuerzo ni nos exponga a realidades poco edificantes. Otros se "entretienen" buscando algo más que sólo las cosas bellas e inofensivas de las que el arte podría ocuparse. Se entretiene alguien que aprecia el valor de, digamos, un dibujante que haya registrado escenas de un campo de concentración nazi ?

Cairo said...

El Ego del Artista. Es mayor que el ego de otros practicantes de oficios reconocibles ? Deportistas ? Cirujanos de renombre ? Abogados ? El ego es un atributo de individuos, no de colectivos. Hay artistas insoportables en su vanidad, así como los hay sencillitos y campechanos. Como ya dije hace buen tiempo, esa imagen del artista ególatra como imagen que caracteriza "al artista", es un mito. Comprensible, pero mito. Visto desde fuera, para el ciudadano común ( lo que tú llamas "la gente" ) el artista es extraño, todo lo que una persona normal no es. Todavía recuerdo que, cuando yo era estudiante de arte, algunos patas me pedían detalles sobre lo que ellos suponían era absolutamente cierto, que la vida de los artistas consistía en droga y sexo. Para ellos, los artistas son fumones y putas. Reproduce esa idea a la escala de "la gente", y tendrás esa desconfianza y temor que se le suele tener a los artistas, y su ego.

Henry said...

Mmm me parece que no plantee bien la pregunta me referìa a dibujantes de comic comercial que hayan "desobedecido" a los cánones impuestos por la industria para la que trabajan, y hayan logrado expresarse en ese medio.

Algunas cosas que me quedaron en duda como lo del artista egolatra, ¿es cierto que compiten por aplausos del pùblico? No quieren dinero sino reconocimiento y elogio?

El caso del retrato me sorprende, por la reacción del público, ¿No se supone que el acercamiento a una obra de arte deba ser una especie de ingenuidad y alegría por conocer cosas nuevas? La gente, perdon, el público muchas veces es demasiado conservador, demasiado moralista, (ahi algunas de las feministas) haciendo escándalos por desnudos femeninos, acusando de sexistas a sus artistas, me enferman.

Otra cosilla, si el arte es una experiencia de disfrute sensorial ¿por que algunos de los artistas buscan que sus obras sean analizadas o darle significados complicados de interpretar? Por ejemplo:

Pastores de la Arcadia de Nicolás Poussin, donde 3 pastores junto a una mujer leen un anagrama de la tumba: "En la Arcadia yo estoy" o algo así... que ha sido interpretado como un "memento mori" Aqui el cuadro:
http://spf.fotologs.net/photo/31/4/4/sir_alexei/1166738918_f.jpg

Ese paraje existe en Francia, en las afueras del pueblo Arques, cerca a Rennes-le-Château.

Obras como esa necesitan cierto grado de cultura para entenderlas o disfrutarlas a plenitud, es eso a lo que me refería, en comentarios anteriores, con que el arte parece tener que ver más con lo académico que con lo de vacilón, hasta suena un poco elitista como decir "solo gente de culta puede apreciar el arte".

Gracias por dedicar un tiempo a responder mis dudas xD, saludos.

Cairo said...

Hola Henry :
La "desobediencia" ( suponiendo que exista ) a los parámetros del comic industrial dentro de esa industria, sólo puede existir hasta donde ella lo permita. Es decir, trabajar para la industria significa siempre obedecer esos parámetros ( que pueden ser cambiantes en el tiempo, pero siempre impuestos ), con más o menos talento, con mayor o menor flexibilidad pero, ya te digo, sólo hasta donde los dueños de la pelota ( no los autores ) juzguen comercialmente conveniente.

"El artista ególatra." En general, la intención del artista es competir consigo mismo más que con otros artistas. El trabajo artístico es tan personal que, si habláramos de competir ( y usando una comparación deportiva ), sería como pretender una competencia entre un maratonista, un lanzador de jabalina, un luchador, un pesista, etc. Ahora, por supuesto que hay artistas super egocéntricos que distorsionan su objetivo principal y se enredan en rencillas paranoides con otros artistas. Allá ellos. El problema es de esos individuos, que no definen con su ejemplo lo que "el artista" es.

Sí, el arte empieza creando en el espectador una reacción, digamos, visceral, emocional, pero no es exclusivamente eso, y siempre depende también de la experiencia que tenga ese espectador en la práctica de ver y de entender, de establecer asociaciones y conexiones. Es decir, hay espectadores y espectadores, algo que no necesariamente nos tiene que hacer pensar que los artistas tienen la intención de excluir a los que no los "entienden." El Bosco, por ejemplo, creó muchas pinturas llenas de claves que no entendemos en el mundo actual, pero eso no impide que disfrutemos, emocional e intelectualmente, de su trabajo, ni que lo condenemos por "elitista." Podemos hacer el esfuerzo de interpretar lo que quiso decir recurriendo, por ejemplo, al estudio de la historia para saber cómo se pensaba en su época. El ejemplo que pones ( Poussin ) es interesante porque me hace pensar no sólo en él como artista, sino también en qué tipo de espectador tenía acceso a su trabajo. Las referencias que Poussin utilizó, a través de una frase en latín ( "Et in Arcadia Ego" ), no eran extrañas para el público medianamente educado de su época. Imagínate un cuadro pintado hoy que incluyera la cara de Mao Tse Tung. No hay que ser un académico hiperespecializado para reconocer la cara de Mao. Dentro de 300 ó 400 años, crees que sería justo decir que ese cuadro contenía referencias esotéricas o herméticas para el espectador promedio del siglo XXI ?
En todo caso, es cierto que hay un grado de información/experiencia previa que enriquece nuestra capacidad de conectar con una obra de arte. No somos niños recién nacidos cuando participamos de la visión de lo artístico, no lo hacemos con la mente totalmente en blanco. Llevamos a ese acto ( ser espectadores de lo artístico ) todo lo que somos en ese momento, todo lo que sabemos ( poco o mucho ) y todo lo que hemos vivido. E, idealmente, nuestras ganas por saber más. Puedes llamarlo "nivel cultural" pero también se puede entender como "experiencia vital." Supongo que en nuestro Perú contemporáneo ( o al menos en Lima ) debe haber mucha gente que considera elitista leer algo que no sea AJA o EL CHINO. Pero el "nivel cultural" no es un factor pétreo e inmutable. Aquello que no sabemos, aquello que no pertenece a nuestro supuesto nivel cultural, no es una condena; puede ser resuelto con un esfuerzo de curiosidad inquisitiva como antídoto al miedo que nos produce lo que no "entendemos."

Henry said...

Desobediencia de la industria... creí que el ejemplo que dio el año pasado sobre los géneros calificaría como tal, lo cito:

"...pero no todas las obras de género se comportan de la misma manera, digamos, 'industrialmente servil.' Hay autores notables de comics brillantes que podrían caer dentro de un esquema de género ( lo digo tentativamente ), como Jacques Tardi y sus historias sobre la Primera Guerra Mundial, pero se trata de obras más grandes que ese esquema básico del que se sirven. El género bélico, en el caso de alguien como Tardi, es una excusa para ocuparse de preocupaciones y temas más profundos ( miedo, deshumanización, etc. )... ... Y, obviamente, responden a las necesidades expresivas del autor, no a las de una industria."

O Jacques Tardi era independiente? Recien he buscado sobre él xD.

Mirando el blog por ahi encontré algo interesante, superhéroes en el terreno independiente:

El Hulk de Kochalka
http://jlutes.files.wordpress.com/2008/05/kochalkahulk01.jpg

El Superman vs. Bizarro de Pekar y Craig Thompson
(no encontre imagenes de este ultimo)

Una cosilla más... hay algunos creadores independientes que hayan dibujado por nostalgia? O sea hacer cómics como en los viejos tiempos? (pre 1960) No me extrañaría que entre ellos haya alguno que extrañe el cómic como era en sus inicios.

Saludos

Cairo said...

Hola Henry :
El caso de Jacques Tardi es menos simple de definir en términos de "independiente" vs. "comercial." El desarrollo del comic en Europa ha sido distinto al de los Estados Unidos, donde esta separación es muy marcada. A Jacques Tardi podríamos ubicarlo en un espacio independiente, por el particular sello personal de su trabajo, pero me falta saber qué tipo de relación ha mantenido y mantiene con los que publican sus comics. Somete sus guiones y bocetos a evaluación previa, como sucede en el mainstream americano ? Como te digo, no lo sé.

No es nada raro ver en el comic independiente americano a diferentes autores reinterpretando estilos "clásicos" de dibujo. Para empezar, Robert Crumb. La influencia del comic de principios del siglo XX ( y la ilustración editorial del siglo XIX ) es fuerte y característica de su trabajo, especialmente en la primera década conocida de Crumb. Kim Deitch, coetáneo de Crumb y que sigue en espléndida actividad, era y es un enamorado del estilo de dibujo que se utilizaba en el dibujo animado de los años 20. Pero como digo, se trata de reinterpretaciones que han enriquecido esas influencias y las han transformado en un lenguaje nuevo y personal, muy conectado con su propia época. Y hay varios ejemplos similares en los independientes más jóvenes, un uso creativo e inteligente de ese tipo de influencias. No podría hablar de ellos como "nostálgicos", pero ciertamente hay un fuerte afecto emocional por esos estilos anteriores.

Henry said...

"...pero me falta saber qué tipo de relación ha mantenido y mantiene con los que publican sus comics. Somete sus guiones y bocetos a evaluación previa, como sucede en el mainstream americano ? Como te digo, no lo sé."

Ese es un dilema gordo para mí... o sea depende de esa respuesta para que una creación entre a la categoría de arte o sea un simple producto comercial, por más original y grandiosa que esta haya sido?

"Lo que me preocupa es que para muchos es fácil y conveniente encontrar en esas tensas y problemáticas relaciones históricas entre artista y poder ( algo como la relación entre Miguel Angel y la iglesia, o entre Vermeer y la burguesía neerlandesa ) una justificación para el modelo de producción en el mundo comercial contemporáneo, donde el "autor" racionaliza esas tensiones, se distancia de ellas y hace suyos los intereses y necesidades del poder."

Y como los artistas consiguieron apropiarse de las necesidades del poder? De la misma forma en que lo hizo Jacques Tardi?

Dicen que la historia la escriben los vencedores ¿Y si se averiguara las relaciones de los artistas con los dueños de la plata, todo ese trabajo ya no sería considerado arte?

Perdón si ya respondio a esta xD, pero no me quedo muy claro :(. ¿Alguna diferencia entre el modelo de producción comercial contemporaneo y el antiguo?

Un saludo

Cairo said...

Hola Henry :
Respondiendo a la pregunta sobre Tardi, sí. Desde mi punto de vista, tendría que empezar siendo, el suyo, un trabajo totalmente independiente y personal. A partir de ese punto podemos evaluar sus cualidades y sus limitaciones como creación artística. Si su comic se tratara de un trabajo dependiente, en mayor o menor medida, de las decisiones y los planes de una empresa editorial, entonces estaríamos hablando en otros términos y sobre otras consideraciones que escapan ( e incluso pueden estar en conflicto ) con los propósitos artísticos. Algo que he discutido antes, y creo que bastante, es que para muchos parece difícil entender que la diferencia entre "arte" y "producto comercial" no es estrictamente una diferencia entre "bueno" y "malo", o entre "bien hecho" y "mal hecho." Un trabajo artístico puede resultar siendo mucho menos interesante que uno puramente comercial. A este último podemos encontrarle virtudes como la originalidad ( dentro de las limitaciones impuestas al autor por el cliente/empresa/mercado/gusto masivo ), mientras que al primero podríamos encontrarlo débil o menor en comparación con el panorama de las creaciones artísticas de su tiempo, o en comparación con otras creaciones del mismo autor.

Y no es que los artistas se "apropien" de las necesidades del poder, sino más bien al revés, especialmente en el mundo moderno. Los hacedores de productos comerciales son absorvidos por esas "necesidades del poder", eligen responder y complacer a esas necesidades, renunciando ( es su derecho ) al ejercicio de la creación libre.

También hemos hablado antes de esa relación entre creador y poder, y cómo es que esta relación se ha manifestado de maneras distintas a lo largo de la historia. Quisiera desarrollar esa idea para responder mejor a tu pregunta, pero me gustaría hacerlo con un poco más de tiempo. Te la debo.

Henry said...

Comento solo para que vea que sigo leyendo sus respuestas, no se preocupe esperaré :)

Henry said...

Hola coloqué esta página como favoritos para entrar directamente a nuestra conversación, y no me había dado cuenta de lo que leopoldo había publicado en la entrada... que roche xD.

Tampoco me había percatado de una tal Erika comentando sobre Crumb, creo que se refería al machismo en el cómic independiente. Siempre han sido jodidas esas cuestiones pero ¿Usted que dijo cuando lo escuchó por primera vez?

Un saludo

Cairo said...

Hola Henry :
Quieres decir cuando escuché a Crumb por primera vez ? Supongo que te refieres a la película. En realidad, mi primer contacto con Crumb fue leyendo sus comics, o sea que ya tenía una idea u opinión sobre él mucho antes de ver la película. Nunca me molestó el machismo/sexismo de Crumb, especialmente porque me parecía más honesto ( y perturbador ) que "solo" machista/sexista.

Los comentarios de Ivan Leopoldo me parecen ahora lo que me han parecido siempre : cómicamente desesperados.

Todavía te debo una respuesta anterior. Tenme paciencia.

Henry said...

Me refería a cuando escuchó por primera vez sobre sexismo en el cómic. Es un tema recurrente por las feministas.

No se preocupe esperaré su respuesta.

Ricardo said...

Interesante, pero el ejemplo del cuadro negro en fondo blanco lo único que me hace pensar es que en el arte post-moderno, la obra no está tanto en lo que ves frente a tus ojos, sino en lo que el artista argumenta respecto de lo que hizo para determinar por qué vale la pena su adefesio.

Ricardo said...

Aunque creo que el urinario y la caca serian mejores ejemplos o no?

Henry said...

Hola xD Cuanto tiempo, pero me mata la curiosidad, estuve leyendo acerca de Miguel Angel y su conflictiva relación con la iglesia, pero si él pensaba tan mal de la iglesia, ¿como es posible que una obra hecha por encargo como La Capilla Sixtina sea considerada arte? Reflejaba lo que él sentía realmente o respondía a necesidades individuales?

Saludos

Cairo said...

Hola Henry :
La Pregunta de Preguntas : por qué algo es considerado arte ? Cuando uno se pregunta eso, en el fondo se está preguntando "qué es arte ?" Y ahí comienzan los problemas. Lo más que puedo responderte es que yo mismo me hago la pregunta, y específicamente sobre el ejemplo de la Capilla Sixtina ( y otras obras históricas de ese calibre ). A veces pienso que un trabajo como ese tiene más que ver con la ilustración que con algo de verdadera genialidad creativa. De estar bien hecho, lo está. Como mucha ilustración comercial en el mundo moderno. Miguel Angel era tan técnicamente perfecto que no había espacio en él para ser expresivamente perfecto. La gestualidad sobreactuada ( la especialidad de Miguel Angel ) no es necesariamente expresiva, al menos no de una manera que vaya más allá de la superficie. Hace unos días, un amigo mío se refería a las imágenes de la Capilla Sixtina como "estilo Marvel del Renacimiento." Nada de esto significa que su trabajo "no es arte." Sé que no estoy respondiendo a tu pregunta, pero en fin.

Henry said...

Ser técnicamente perfecto significa "dibujar bien"? Algo así como ceñirse a los los patrones académicos? Quita eso la expresividad en un artista? aunque este lo ejerza de manera libre y porque le gusta?

"estilo Marvel del Renacimiento" me sonó a una bonita similitud entre los "dioses" y los "superhéroes" y sus fieles seguidores xD.

Su trabajo "no es arte." Así entre comillado? O sea que no es arte realmente? o solo es arte porque los grandes mecenas e instituciones lo han decretado como arte, para como lo que mencionan, en la primera discusión vender más?

Sigo leyendo el blog ;) saludos

Cairo said...

Hola Henry :
En un sentido amplio, hay muchas formas de "dibujar bien", incluyendo las que demuestran una perfección técnica, lo que no significa que eso ( la perfección técnica ) define al buen dibujo. Abundan los ejemplos de dibujantes técnicamente impecables pero convencionales y predecibles, que nos dejan fríos a muchos, que no nos dicen nada especialmente interesante o nuevo, mientras que otros, más toscos o "primitivos" en su manera de hacer, nos sorprenden y conmueven poderosamente y nos llevan más allá de nuestras expectativas sobre lo que un dibujo puede lograr en términos de expresividad y fuerza. El término "dibujar bien" posiblemente sea insuficiente para calificar un trabajo de verdadera calidad, con cualidades de excepcionalidad. El término "expresividad" también puede llevarnos a confusión. El arte académico del siglo XIX, por ejemplo, cargado de sentimentalismo fácil y hasta de melodrama, es posible que fuera calificado de "expresivo" por sus seguidores.

Puse eso de "no es arte" entre comillas no para afirmar nada categóricamente, sino para referirme a la posibilidad de revisar nuestras nociones ( poner nuestras seguridades entre comillas ) sobre lo que consideramos arte.

Henry said...

Hablando de los locos o enfermos que mencionó Leopoldo:

http://www.entremujeres.com/entretenimientos/arte-y-cultura/autismo-arte-artista-hijos-salud-Iris_Halmashaw-Reino_Unido-Inglaterra-pintura_0_979102174.html

Si ella no fuese una niña o autista, sus obras no tendrían esa popularidad? A veces me parece que la obra se le valora por el argumento que hay detrás y no tanto por su valor en si mismo :/.

Yo estoy deacuerdo en que obra opaca al artista, y eso es lo que merece nuestra atención, pero aquí parece que fuese lo contrario.

Saludos

Leopoldo said...

Discrepo en la concepción de artista. El mundo del arte es el mundo de la especulación punto. Fin del asunto Henry ¿Por que te molestas ya ni te contesta..

Henry said...

Feliz 2014 señor Cairo, de vez en cuando paso por el blog para releer temas en vez, de preguntar tanto por lo mismo, muchas cosas me han quedado claras meditando estos meses por ejemplo la diferencia entre género y recurso. Pero, aún tengo una duda muy complicada que no he podido encontrar, ¿Que es la expresividad? Hay gente cree que el melodrama es expresivo, porque expresa emociones (?).

En la wikipedia encontré algo interesante sobre el melodrama: "Con el paso del tiempo su uso se ha extendido abarcando cualquier tipo de obra teatral, cinematográfica o literaria cuyos aspectos sentimentales, patéticos o lacrimógenos estén exagerados con la intención de provocar emociones en el público."

Recuerdo que también solía pensar , que el entretenimiento alcanzaba la categoría de arte cuando lograba emocionar o impactar a su público.

No olvido la respuesta que me debe jaja o ya fue :( ?

Saludos

Cairo said...

Hola Henry :

Feliz Año para tí también.
Como tantas otras cosas, es complicado pretender dar una definición perfecta de algo como la "expresividad," en buena medida porque depende de nuestra propia y personal capacidad para reaccionar frente a ciertos estímulos. Para algunos, "expresivo" puede ser algo que para otros resulta "melodramático." En todo caso, si es posible, todos tenemos una idea general de lo que queremos decir cuando calificamos algo de "expresivo" : nos conmueve en alguna medida, nos despierta distintas emociones, nos hace reaccionar más allá de la neutralidad o la indiferencia. El melodrama tiene sus propios recursos para expresar emociones pero ( y eso es lo que lo hace melodrama ) lo que despierta en nosotros son emociones de patetismo y compasión, una compasión, si quieres, "lacrimógena." Otras creaciones, otros creadores, son expresivos ( o buscan serlo ) utilizando herramientas de otro tipo, más sutiles, menos obvias, menos manipuladoras de nuestras emociones primarias. Lo melodramático vendría ser una especie de "pornografía emocional."

El entretenimiento puede ( de hecho, esa es su intención ) emocionar e impactar a su público, pero eso no lo transforma en arte, es decir, no es por eso que el entretenimiento deja de serlo para convertirse en arte. El entretenimiento, siendo emocionante e impactante, tiene otros propósitos distintos a los de lo artístico.

Sí, sé que te debo una respuesta. Estuve buscando la manera de ser lo más breve posible sin dejar de tocar los puntos que me parecían importantes. El asunto era cómo diferenciar ( o si es que había una diferencia ) entre el "trabajo por encargo" que conocemos en la cultura moderna ( o postmoderna, o post-postmoderna...) y el arte de épocas antiguas financiado por la Iglesia o la aristocracia. Algo de eso he discutido antes en el blog. Mi opinión personal es, primero, que el "gesto" parece el mismo ( trabajar por encargo de alguien ) pero es el contexto histórico y cultural lo que hace la gran diferencia. Segundo ( y esta es una opinión más arriesgada de mi parte ), es este factor, el de la relación del creador con el poder, lo que me hace pensar si talvez deberíamos revisar nuestra definición de "arte." Imagínate por un momento ( y a eso me refiero cuando digo que esta opinión es arriesgada ) que desde ahora afirmáramos que cosas como la Capilla Sixtina ( por poner un ejemplo entre miles ) ya no pueden ser consideradas más "arte" que un cartel publicitario.
El primer punto, el del contexto histórico y cultural, es menos problemático. Hasta, más o menos, finales del siglo XVIII, el artista era parte de una sociedad ideológicamente más compacta. El Estado y la Iglesia no estaban separados, por poner un ejemplo, y los individuos de esa sociedad reconocían a esa estructura jerarquizada como "natural." El espacio para la expresión individual no existía como existe para nosotros. La mitología de la época ( religión oficial, la creencia en lo divino, la inmovilidad social entre clases, los privilegios de la nobleza, etc. ) era compartida por dominantes y dominados. En ese ambiente, el artista se reconocía subordinado al poder, asumía las "verdades" proclamadas por ese poder como suyas ; el mundo y las ideas que el poder quería ver representados no eran fundamentalmente distintos a los del artista.
En el mundo moderno esas relaciones del artista con el poder son de otro tipo, mucho más marcadas por el conflicto que en siglos anteriores. El artista asume una posición de cuestionamiento y desafío a las tradiciones, puede entenderse a sí mismo como estéticamente revolucionario o incluso políticamente revolucionario. Por supuesto que existe un establishmente del arte pero, a diferencia de otras épocas, el artista contemporáneo puede elegir en qué campo moverse.

Como ves, muy breve no he podido ser, y en mi resúmen debe haber varios puntos que podría revisar cuando los relea con más cuidado. Espero que te sirva de algo.

Henry said...

Creo que ya empiezo a entender y disculpe el largo periodo sin respuesta, ya que trato de leer y reflexionar para no andar preguntando lo mismo.

En la discusión anterior, sobre los prejuicios del arte, que quiere decir con que "Después de todo, están inventando al 'otro.'"? Es la percepción prejuiciosa del arte?

A mi todavía me parece extraño cuando Duchamp hizo su obra y nos dió a entender que "Cualquier objeto puede ser arte", me imagino la cantidad de obras de arte que podrían crearse solo con darle un "sentido artistico"(?). O el arte es la forma tangible de la reflexión(?) como dijo Arthur Danton "dejen que los filósofos pensemos en la obra, ustedes traigan sus objetos"

Y cómo es ese Establishment del arte?

Cairo said...

Hola Henry :
Con lo de ser creativos "inventando al otro" ( = todo aquél que no piensa como uno ), solo estaba siendo sarcástico con la desesperación de Leopoldo ante la etiqueta de "comic independiente." Etiqueta a la que le da más importancia de la que tiene.

Duchamp propuso una idea creativamente peligrosa. Cuando presentó sus objetos industriales como "obras de arte", no lo hizo para que miremos a cualquier objeto ( un urinario, por ejemplo ) como algo estéticamente bello, igual o mejor que un cuadro al óleo o una escultura en bronce ( es decir, el tipo de cosas que hasta entonces se consideraban artísticas sin asomo de duda o reflexión ). Duchamp empezó preguntándose qué es lo que hacía que una tela manchada en pintura aceitosa ( o un bodoque de bronce, mármol, o lo que fuera ) se considerara arte. Eran los materiales lo que importaba ? Eran los contenidos ? Podíamos prescindir de todos los elementos formales e intelectuales considerados apropiados hasta ese momento y seguir haciendo arte ? Lo que Duchamp ofrece como respuesta tentativa y provocadora es que, en realidad, esas categorías socialmente aceptadas de lo artístico estaban arbitrariamente fabricadas. Y eran tan arbitrarias que, siendo lógicamente arbitrarios, podríamos montar una rueda de bicicleta en un taburete y llamarla "arte." Repito, no para llevar esos objetos comunes a la posición elevada del arte reconocido. Lo hizo para exigir de su tiempo, con humor insolente, una discusión más exigente y profunda sobre lo que nuestra ( o su ) sociedad glorificaba como artístico. El error a la hora de "entender" a Duchamp ha sido tomar al pié de la letra aquello de que cualquier objeto puede ser visto como hecho artístico. Si, como propuso Duchamp, el material no es lo importante, es decir, no es uno de los requisitos obligatorios para hacer que una imagen ( u otra forma de representación ) califique como artística, por qué no ir lo más lejos posible, tomar un objeto existente, sin status artístico, y presentarlo como si lo mereciera ? Por qué rechazar esa arbitrariedad si la cultura occidental se rendía con solemnidad ante creaciones cuya "naturaleza" artística se había justificado, según él, a partir de nociones arbitrarias ( o, en todo caso, insuficientemente argumentadas )?

Establishment del arte. Hay formas de arte que resultan apropiadas para los intereses de grupos con suficiente influencia ( económica, política, académica, mediática, etc. ) y que, artificialmente, las presentan como el arte de la época. Gracias a ese poder, otras formas de arte quedan excluídas o relegadas como "menores" u "obsoletas." Siendo optimistas, o talvez ingenuos, hay una mayor variedad de espacios, artistas y públicos atentos a lo que ese establishment no acepta en sus círculos.

Henry said...

Por el tono del debate se me hizo difícil distinguir el sarcasmo de las respuestas reales jaja, ahora está todo más claro. Gracias.

Sobre el urinario de Duchamp ya tenía en mente una interpretación similar, pero no estaba seguro si era la que el autor deseó expresar, en realidad solo lo puse como ejemplo, ya que mi punto iva más sobre el arte contemporáneo. El arte abstracto por ejemplo, no todas, pero si muchas me parecen tan "sencillas" de hacer como el urinario ¿O desean expresar algo similar a aquello de Duchamp expresó? ¿Aluna manifestación masiva contra ese establishment?

Saludos

Cairo said...

Hola Henry :
El arte abstracto ( el del siglo XX ) busca superar modos tradicionales de representación hasta el punto de no tener que servirse del mundo visible como modelo, pero seguía siendo ( insistía en ser ) materia, color, composición, etc., los elementos formales que Duchamp quiso poner en discusión. O, de plano, abandonar. En el caso de los artistas abstractos, hasta aquellos que consideras "sencillos", cada una de sus obras es importante ( para empezar, para ellos mismos ) porque significa el esfuerzo de traducir en una imagen o una forma escultórica aquello que existe como proyecto mental. En ese sentido, todo los elementos puestos en juego ( qué material se usa, qué instrumentos, qué dimensiones, etc. ) tienen un valor. Para Duchamp, interesado más en las ideas ( o cada vez más solo en las ideas ), el material no tenía ninguna importancia. Por eso usó un urinario. Podría haber sido cualquier otro objeto y, de hecho, es lo que siguió usando hasta que dejó establecido el punto que quería demostrar. Y algunos años después, simplemente dejó de hacer arte y se dedicó al ajedrez.

Henry said...

Ahí mi confusión con la reflexión, representar una idea. Todo tiene un porque en una obra, pero pareciera que tuviese que ver con una construcción mental, no es algo tangible. Suena como, si se inventa un buen "floro" es arte? Solo puedo contar con la honestidad de su autor?

O tal vez le estoy dando más importancia de la que tiene al arte? Tal vez al decir que una obra es arte, mi mente lo interprete como "mejor" que una obra comercial que costó mucho más esfuerzo y sacrificio elaborar? jeje

Aparte, los críticos de arte, entienden lo que es el arte contemporáneo? o son victimas de sus temores? Muchos como Arthur Danto suelen decir que el arte ha muerto.

Henry said...

Eh! Lo de pintar con manchas como arte abstracto lo entiendo, pero hablo de ejemplos extremos como este: Ejemplo

Cairo said...

A la mierda !

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